时间：2015年8月29日（下午）
地点：深圳OCAT图书馆
（根据专题对谈整理编辑而成，略有节选）

胡斌：扁平化和无限链接知识结构如何建立艺术创作系统，需要思考

“新视觉艺术节”是OCT进行了十几年的项目，每一年对毕业生、年轻艺术家进行系统考察，然后在生态考察的基础上，形成一个判断、主题，今年针对的是我们知识的碎片化和网络化。“碎片化”经常提，但现在的情境已经发生了很大变化，现在的社交媒体，尤其是微信，对于我们的生活、时间、知识结构发生了很大影响，我们的艺术创作自然也处于这样一个氛围当中。

我最近看一本书叫做《知识的边界》，谈论知识网络化以后带来的影响。知识变成一种网络化系统以后，带来许多积极的影响，也有很多负面的影响。负面影响就是说这是一个纵声喧哗的时代，有时一些愚蠢的、荒谬的声音被放大占据上峰，同时也切割了我们的时间和认知，所有一切都变成及时性的碎片化。另一方面，它又打开了一个新的构架，以前我们接受知识的路径，可能是自上而下的，或者是有一个树状的结构，它是有层级关系的。它几乎是单向的，但现在接收知识的渠道变得非常多元，它是无限链接的，这就开启了一个新的知识结构，破除原来的单向度的层级结构。

这种知识的扁平化和无限链接，在我们近些年考察的年轻艺术家和毕业创作都看到一些影响。各种知识多渠道地成为一些碎片的东西，被组装到我们的创作思维和创作实践当中来，我们非常便利地截取各种元素和知识，来组装我们的作品，所以我们看到非常丰富、多元的景观化创作方式。这里面措置的结构、无限的链接、延伸、机械化科学风，我觉得都跟这种跨界和知识截取的迅捷有密切关联。

在以前的时代，可能我们一个人可以有一个点，逐渐建立起自己的方法论、知识系统，但现在可能会变得混杂，我提出一个“混合式生产”。我们看青年艺术家的作品，跟之前艺术家相比，他们可能逐渐地在探索一个方法、一个思想体系，这些好像在年轻艺术家上面没体现得那么充分，我觉得这个是不是跟知识网络化的时代有密切关联呢？这是我对于这个话题的一种感想，把这个话题抛出来，也听听身处教学一线教师和理论家的想法。

刘庆元：当下青年艺术创作打破媒介限制，呈多元的真实面貌

每一年都有学生毕业，都有毕业展览，新的发掘、新的窥视都在发生，有时候我觉得应该转换一个视点，我挑选艺术家的时候，我觉得我更像一个媒体记者，这样考虑到的层级的意义会更有效，艺术家来自学院走向一个平台，我们怎样通过展览对这个过程进行阐释。我们的教学也面临着同步于时代的现象，就像一个人手上有100个公众号，他还能独立思考吗？我是特别怀疑的。我们也发现今天年轻人互相之间的“穿刺”特别明显，就像今天看到的作品，琳琅满目，材料丰富。当我们看到这个结果时就在思考什么是可能性？当这个可能性很泛滥的时候，我们是不是保持警惕？我们的教学怎样放在一个公开平台上并引发我们的思考？

我们做老师的都知道，学生毕业后回借助一些展览频繁的亮相，之后很自然进入到一个真正的自我工作状态，这就是我们所说的不受委托的运作方式。当美术馆、展览、策展人没有向你召唤的时候，你如何继续自己的工作方式？这是我们接下来可能要真正面对的。在今天的展览里面，已经出现了特别有趣的案例，我们发现雕塑系做的不仅是雕塑，他可以用综合的媒介，装置学生也可能变成一个水墨画家。“新视觉”举办了12届，这也是第一次比较整齐的用综合媒介的方式做一个展览，所以它看到的也是一个真实的面貌。我周围的很多朋友都对这次展览作品感觉到好奇，为什么？因为他的选择可能更大了，当选择更大时，我们就无法给它画勾或者是打X，所以这恰恰可能是引起我们展开讨论或者思考的一个开始。

管怀宾：因为碎片，需构建个人化的艺术史

碎片化，应该是中国三十年很重要的一个词，当然30年前的碎片化和今天的碎片化不太一样。30年前我读书的时候，碎片化是在被挤压的或者被封闭的信息当中，寻找一些碎片，拼出自己的世界观、艺术史，而今天是在知识泛滥当中拼出自己的一个知识参照和世界观。

今天这样的展览全国各地不断的有，但这个展览超出学院系统的范围，而是站在一个社会界面来看年轻艺术家创造的东西，把很多问题都聚焦在一些点上，这就是所谓的“窥视”吧。我们在学校跟学生讨论比较多的是个体创作与艺术史的关系，作为一个艺术实践者来说，我个人主张建立一个有别于形式的艺术史机构，可能就是对个人产生意义的几个人，但这可能是影响一生的东西，也涉及知识泛化的问题。在庞大的讯息当中，因为你的坐标也不一样，每个人心中的艺术史应该是不一样的。

张小涛：建立自己的艺术方法和逻辑，并通过介入社会让艺术延展

今天的时代是全球化，是互联网的碎片化，我想对于一个有雄心壮志在艺术上能走得远的艺术家来说，一定要有结构和核心。如果只是一堆碎片，我觉得你走不远就散掉了，走得远的肯定是有结构的人。如果你只是拿了国外的东西临时组装，肯定走到一定时候会灰飞烟灭，真正能走下去的一定是建立有自己的一套方法和逻辑，这是艺术史的王道。

艺术学生如何成为职业艺术家，怎么延续自己的工作方法？怎么样把自己这个工作往前推？其实今天举办一个展览非常容易，但容易的背后可能是展览做出来很平庸，我觉得今天这个时代面临的问题都是信息过度交流后带来的疲惫。之前参加一次展览，一个老师谈到今天没有海外华人的展览，都是海外留学生的展览。这话有点尖锐，但确实看到一些警示，今天交流越来越频繁后，特别容易让我们得到的是工具本身，而工具背后的东西特别容易忽略掉。我们在国内、国际交流中，应该特别清醒的找到自己和每一个人的差异，或者是和艺术史的差异，或者是与这个时代的某种关联，我觉得这个比较重要。

另外，学生参加展览，应该找到一个介入社会的通道，毕业后就是身份的转换，如果还在学习和调整当中，或者靠机构或者其他来推，我觉得不够，要自己的强大。现在时代选择多样化，很多学生会放弃艺术，美术馆、画廊、机构进行合作的时候，尽量推能在这个领域留下的艺术家，希望真正想留下来的艺术家把更多的精力放在社会实践当中，能够和具体的机构、空间、团队保持紧密的联系，这能够让你们的艺术延展。

刘礼宾：知识碎片时代需警惕创作语言的趋同化

我做过09和10年的“新视觉”策展人，这两届一共有大约50艺术家参加，但现在还活跃在当代艺术的就只有四五个，所以艺术是非常残酷的，同时这样一个展览平台也是特别好的一个机会。其实毕业生刚毕业时作品的好坏并不要太在意，其实更应该看毕业后五到六年的创作过程。今天有三十多人参加展览，五年后做作品的可能不超过十个人，特别是多媒体、装置这种创作模式。毕业后面临最大的挑战就是坚持，在学校的时候可以在父母支撑的环境里，但踏入社会后，进入市场机制后，画廊、机构就会观望你，好的画廊基本观察五年，那如何坚持，这就是一个问题。

关于研讨会的题目，其实我觉得“知识叠加”也好，“知识碎片”也好，这当然是非常新的现象，但是我看到更多的不是知识碎片、平面化以后带来的繁荣，我更多的是看到浅层的构架。现在看起来是一个知识碎片化的时代，但是当这些碎片化的东西落在记忆的知识架构上之后，我们看到的依然是一个架构的模糊影子。无论是它的艺术样式变化了多少，或者它的颜色变化多少，或者是它的样貌变化多少，我现在更关注的是年轻的一个思维状态。我在这个展览看到十所美院的不一样，通过作品就能看出艺术家是哪个学院的。这事要分两面看，一方面是好事，因为每个地域文化的存在状态都不一样，它反映在个人评价上，或者是艺术表现上都有一种不同的面貌。另一方面则是需要注意的，个人艺术语言过于限制在某个美院模式当中，甚至是限定在某个老师，我们现在发现，在装置的整个气氛和语言制造上，其实是一个模式，这是需要警惕的。

胡震：对“新视觉艺术节”之“新”的再思考

从展览题目来看，“新视觉艺术节”的“新”到底新在什么地方？我推测它的“新”可能是在，如果把它放在既有的学院系统当中去看，这个展览打破了学院分科严谨的传统教育系统，把当代艺术社会实践的很多理念带入其中，从而构成这样一个展览。但从另一个层面来看，如果把这个展览放在一个当代艺术语境来讲，它究竟有多新？这是我质疑的，我觉得跟我期待的好像有距离，为什么呢？今天对谈的主题是“知识组装时代的艺术”，知识组装时代是怎么来的呢？其实就是数码时代带来的一个新概念，就是知识的所有东西的一个组装，所以艺术也是一个重新混在一起的过程。我觉得这是信息时代带来的一种独特艺术现象，但我在看到的作品中，似乎对这些问题的思考没有我想象中的那么多、那么丰富、那么到位。

如果我再把这种艺术跟西方去比较，对于毕业生来说要做得很好，有很大的困难，因为这本来就是有距离的，你很多东西都是从人家那学来的，但是互联网或者新媒体这块，我觉得这种差距没有想象的那么大，现在的90后毕业生其实一出生就是已经跟国际接轨了。那作为这个时代的艺术家，对这种情境有没有特别的敏感，这个新到底在什么地方？这是我想质疑的第一个问题。回到今天讨论的主题“知识组装时代的艺术创作”，我个人是很正面的态度看待这个时代，我们在接受知识的时候都是从碎片开始的，关键还是看你怎么把这些碎片一个一个组装起来。碎片化时代带来的最大好处是什么呢？我觉得是让人的判断有了绝对客观基础，一旦有了选择，就容易获得一个真正的答案，而不会有很多掩盖。此外就是让任何一个想进入艺术领域的人都有成为艺术家的可能，而不用担心所谓艺术和非艺术问题。