造型艺术，如果不从工具材料分类，抛开工具材料的界线，可以分为平面的、立体的两大类。画画，就是在平面上做文章。

我们画小品，面对一张白纸，怎么安排，这是第一位的问题。安排，就是设计，中国画叫布局，西方叫构图，或者干脆叫平面构成。

下面就几个与构图有关的观念谈谈我的看法。

画面空间
作画时，要打破自然的空间观，不去追求真实的空间关系，而要致力于平面分割。创作的目的不是去复制自然的美，而是创造一个能独立于自然的审美对象。画面就是我们的出发点，一张纸的四边，二条垂直线，二条水平线组成的稳定框架，为我们确立了构图的范围。在画面空间里，每一个形，每一块颜色处在同一个平面上，同样重要，不分主次，只有上下左右、中心四周的区别。(这一点，我们应向原始艺术、民间艺术、儿童画学习)。

视觉元素
我们要善于透过画面的具体形象，作抽象的形式美的思考。排除自然属性、社会属性，把画面上的形状和色彩归结为单纯的视觉元素，点、线、面、黑、白、灰、不规则的几何形、不同明度和纯度的色阶、不同的肌理，以及他们在空间占有上的位置、方向、大小。

形式美感规律
我们要创造具有审美价值的作品，必须研究形式美感的规律。在我看来，形式美感来自绘画元素(线条、形状和色彩)的有序性安排。总的规律是多样统一。

好的画，画面结构是一个有机结构，不可分割。在静止稳定的画面中有一种运动感，在富有动感的形、色排列后面，似乎有一条隐蔽的轨迹，就像受天体运行规律支配的满天星斗，疏密聚散，自然成文。

多样容易，统一也不难，难在既多样又统一，功夫就在能不能做到看似散乱，又有秩序。

构成形式美的基本因素:

均衡
首先就是指画面重心要稳定。画面的色块，由于形状不同，大小不同，颜色不同，会有不同的分量、力度，安排的时候，左右上下要保持平衡。

稳定，所以能产生美感，这是因为它符合视觉心理的需要。平时我们所见之物，无不保持重心稳定。静止的，或是运动中的，都要保持重心稳定，不然就有危险。保持重心，有安定感，就有美感。世界上一切运动着的事物，无不趋向于保持平衡和稳定。大至自然界的生态平衡，人类社会的发展，小至个人日常生活，生理上的摄入与消耗，精神上的紧张与松弛，都必然趋向于保持平衡和稳定，一旦失调，就要人为的加以调整，否则无法生存。

保持画面平衡有两种形式:一种是对称的平衡，比如图案设计，二方连续，四方连续，单独纹样，这是一种规则的静态的美。既然是对称的，好比一个站着的人，就没有失去重心的问题，必然是平衡的。第二种是非对称的平衡，我们叫做均衡，左右上下并不相同，可是在视觉上又能保恃平衡。这是一种富有变化的不规则的动态的美。好比一个体操运动员，在运动中保持平衡，动作难度越高，越需要技巧。这正是我们所追求的动态的平衡。

变化
重复、雷同会引起视觉的单调感，甚主争人生厌。富有变化，能产生一种微妙的含蓄的美感，吸引人去欣赏。

有的书上说“最不对称，最不规则的空间和最少有平行线的结构最具有吸引力。”就是强调变化的重要性。

黄宾虹先生讲“不齐之齐”，如作茅檐，便须三三两两，参差写去。于右任论书法“忌平”、“忌对称”。画竹立竿“忌齐头平足”。这些前人的经验之谈，都是强调构图时画面变化的重要性。

对比
造型艺术中充满了对比因素：形的大小、方圆，色的黑白冷暖，位置上的疏密聚散，善于利用对比因素，富有刺激性，使人振奋，能产生单纯、明快、强烈的美感。

一般有两种构图类型，一是对比中求调和，这是强调对比的调和，画面有明显的不同质的色块分割，比如强调黑白，用对比明显的形状色块组合在一起，甚至用纯度很高的原色来作色；二是调和中有对比，这是弱化对比的调和，画面有种统一的柔和的色调感，一般用减弱色块的纯度、明度对比的办法，比如浅绎山水，达利的一些水彩画。

选择那一种构图，应该根据抒情表现的需要，习惯于用那种构图，往往与画家的个性、艺术气质有关。许多现代大师喜欢在对比中求调和，如齐白石、潘天寿、马蒂斯、毕加索等人。

潘老强调在构图时要“造险破险”，齐老在水墨画中糅进鲜艳的民间色彩，都是为了在画面上造成单纯强烈的对比美。

对比可以是单中心的集聚性构图，画面有一个大的对比中心；也可以是多中心的散漫性构图，如乱石铺街，不分主次，较为均匀的分布。

艺术观念的改变，对模拟性、主题性兴趣相对减弱了。现代艺术趋向于不分主次的平面布局的，如马蒂斯的画，自由的色块分割、互相衬托，很难分哪个为主，哪个为副。为了加强画面的平面整体感，经常用一种色彩同时涂在前景的物体和处于远景的物体上。崔子范的花鸟画脱胎于齐白石，很有现代感，造型更简，用笔更拙。最引人注目的几张荷花，其主要特征就是更多地采用了扩散性构图。

节奏韵律
构图就是形式的组织，构图规律就是形式的组织规律。刚才讲了变化、对比，要求画面富有变化，善于利用对比因素，这只是谈了事物的一个方面。问题在于如何把这些多样的富有变化、充满对比美的造型元素统一、调和，否则变化成了杂乱，对比成了刺眼，既不会有单纯强烈的美感，也不会有微妙含蓄的美感。

要使画面统一调和，只有根据视知觉功能的恃点，对造型元素作有节奏、有韵律的安排，用一点无形的隐蔽的轨迹把它们串起来。

人的视知觉不同于照相机，相机对客观形象的摄取是机械的复制，人的视觉对客观形象的审视是积极的创造性的有选择的把握。这就是人人都有的视觉识辨功能。

当看画的时候，强刺激的形色对比强烈的部位首先进入眼睛，依刺激的强弱，顺序观看，有一条扫描路线，只有形状色彩完全相同的形才会同时进入眼睛。

眼睛还有一种按相似性原则组织联系的功能，相似的就组合。当不同的色块散置于画面时，人的眼睛会本能地把近似的形和色联系起来观看。

要利用眼睛这种接对比的强弱顺序观看，按相似性原理联系观看的特点，来安排画面，造成一条隐蔽的轨迹，使观众沿着一条与构图需要相适合的路线去观看。

我们安排画面是利用一般人都有的视觉本能，但能不能很好地安排这条路线，作出有节奏有韵律的有序性安排，这就需要审美的眼光和创造才能。

均衡、变化、对比、节奏韵律，这是造成画面美感的基本因素，也就是形式美感的基本法则。

最后强调一点，所以要讲究非对称的均衡、对比、节奏感、韵律感，目的是为创造一个富有生命力和表现力的画面，不是搞一块花布设计。我们强调平面构成，但是要防止图案化的倾向。

一张好画，不论是具象的，或抽象的，都必须是一个有机的统一体，就像人一样是由器官组成的，不可分割，浑然一体的。画面必须是一种有节律感的形式，静态的画面中有运动感，所谓“不动之动”的形式，甚至好像仍然不断变化生长。画面像人一样有个性、有感情，每张画都有不同的性格、不同的情绪，有的严肃，有的活泼，有的古怪，有的简淡，有的强烈，有的温和，有的紧张，有的悠闲。这些描写人性的字眼都可以用到论画上，因为“画如其人”。画面就是作者人格、思想、感情的体现。

因此，可以说，在有限的画面上，不仅可以把自然形象转化为有欣赏价值的艺术形象，使画面具有感情色彩，还可以把抽象的观念、认识具象化，使画面具有象征意义。(1986年)

本文原载于《国画家》1995年02期